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Disco da Kuarup em homenagem ao consagrado sambista e também herdeiro dos mestres do choro passeia por releituras instrumentais da obra do carioca e tem capa de Elifas Andreato
Em 2022 Paulinho da Viola, um dos mais queridos e aclamados personagem de nossa história musical, completou 80 anos de vida. Famoso pela sua trajetória como sambista, o que muitos de nós pouco sabemos é que ele também é legítimo herdeiro de mestres chorões da importância de Pixinguinha, Jacob do Bandolim, Canhoto da Paraíba e Radamés Gnattali. Por sua atuação diante dos clubes de choro pelo Brasil, pela montagem do antológico espetáculo carioca Sarau — que marcou o ressurgimento do Conjunto Época de Ouro, criado por Jacob — e gravação do álbum em vinil Memórias Chorando, Paulinho da Viola se destacou no final do século XX como símbolo da renovação do choro, “gênero musical de mais me comove”, costuma afirmar o autor de geniais choros e belíssimas valsas que dão sentido à afirmação.
Paulinho da Viola é hoje aclamado como um dos principais compositores e intérpretes contemporâneos dos dois gêneros musicais brasileiros. Mais do que fãs e admiradores, criou uma escola que tem entre seus luminares devotos Mário Sève, autor do disco do selo da produtora e gravadora Kuarup Ouvindo Paulinho da Viola, com noite de lançamento nesta quinta-feira, 27 de abril, a partir das 20 horas, no palco da unidade 24 de Maio do Sesc paulistano. O espetáculo inclui temas instrumentais consagrados de Paulinho da Viola, como Choro negro e Sarau para Radamés, apresenta obras com parceiros e inéditas —entre elas o choro Chuva Grossa também molha e a valsa Carinhosa, com o diretor musical e arranjador do concerto, Mário Sève —, além de músicas de Pixinguinha, sua grande referência. Este requintado repertório articula os sentidos da tradição e da modernidade, dicotomia que atravessa toda a obra Paulinho da Viola.
Morte de cantora e compositora carioca deixa saudades e colegas do meio musical, ao expressarem pesar, reafirmam sua admiração ao destacarem a importância para o país da obra da autora de sucessos como Jura Secreta, Canção Brasileira e Primeiro Jornal
As tradicionais audições matinais aos sábados no Solar do Barulho, redação do Barulho d’água Música, na Estância Turística de São Roque, no Interior paulista, começaram no dia 11 com Louça Fina, álbum gravado em 1979 por Sueli Costa. Carioca nascida Sueli Correa Costa, em 1943, a autora partiu de causas não reveladas há uma semana, no dia 4 de março, também na cidade do Rio de Janeiro, prestes a completar 80 anos. Sua morte ao ser repercutida em vários meios de comunicação voltou a causar comoção entre amigos, fãs e no meio artístico devido à popularidade que ela alcançou ao vivenciar momentos de estrela de sensível inspiração melódica no cenário musical brasileiro que marcaram a composição e a interpretação de sucessos que incluem Primeiro Jornal, gravada por Elis Regina e Jura Secreta, que Fagner e Simone interpretaram, por exemplo. O cantor cearense também popularizou Canção Brasileira e a baiana Cordilheiras.
A mãe de Sueli Costa tocava piano e ministrava aulas de canto coral e a jovem, estimulada por este ambiente, ainda na adolescência tornou-se autodidata e aprendeu a tocar violão ao lado dos irmãos (Élcio, Lisieux, Telma e Afrânio), que também seguiam os passos da matriarca. Aos 18 anos, Sueli debutou ao compor a bossa nova Balãozinho. Por esta época, conciliava a incipiente carreira musical com a faculdade de Direito, que cursava em Juiz de Fora, localizada na Zona da Mata mineira e próxima à Cidade Maravilhosa. Na terra natal do violeiro Tavinho Moura, dos poetas Murilo Mendes e Pedro Nava, e do jornalista e escritor Fernando Gabeira Sueli Costa compôs e cantou todas as canções da montagem teatral Cancioneiro de Lampião, encenada pelo Grupo Divulgação em 1967. Ela também contribuiu para a trilha da peça Bodas de Sangue, no mesmo ano. Sua produção como compositora atraiu a admiração de intérpretes como a capixaba de Vitória Nara Leão e a levou a participar de variados em festivais, além de lecionar música em colégios cariocas.
Arte da capa de Louça Fina, que em detalhe revela uma lágrima derramada por Sueli Costa na hora da produção da foto de autoria, infelizmente, não descoberta
Seu período de maior projeção ocorreu na década dos anos de 1970. Nesta década a lista de admiradores que despertaram para o talento da compositora aumentou e passou a incluir Ney Matogrosso, Simone, Cauby Peixoto, Pedro Mariano, Joanna, Fagner, Fafá de Belém, Alaíde Costa, Ângela Rô Rô, Elis Regina, Ivan Lins, Zélia Duncan, Zizi Possi, Agnaldo Rayol, Gal Costa e Wanderléa, Ithamara Koorax, entre outros, consagrando-a como nome de elite da MPB. Não demorou muito, a EMI a contratou e, em 1975, Sueli Costa gravou o primeiro bolachão, com produção de Gonzaguinha e arranjos de Paulo Moura e Wagner Tiso. Dois anos depois, o segundo disco, batizado Sueli Costa como o anterior, foi produzido por João Bosco e Aldir Blanc. O time de parceiros de estrada não é menos brilhante e vão de Cacaso a Tite de Lemos a Aldir Blanc, Ana Terra, Paulo César Pinheiro e Abel Silva, com quem formou uma dupla de sucesso e é coautor de Jura Secreta.
A discografia de Sueli Costa ainda inclui Vida Louça fina; Íntimo (1984); Vida de Artista (1994); e Minha arte (2000), além de Sueli Costa -Série Dois em Um, relançamento em formato laser dos vinis Sueli Costa e Vida de artista. Entre os projetos que participou e a lev aos palcos estão em seu currículo Projeto Pixinguinha, Com Paulinho da Viola, Moraes Moreira, Fagner e Terezinha de Jesus (1975); Projeto Pixinguinha, com Simone (1978); Canção Brasileira, com Abel Silva, no Teatro Estação Beira-Mar/ RJ (1997); Sueli Costa no Bar do Tom/RJ (1999) e Minha Arte, Mistura Fina/RJ (2000).
Sueli, Sueli Costa, quantas sublimes melodias você criou e deixou nesse mundo que será sempre mais bonito cada vez que uma canção sua soar nos ares do país e do universo. Talvez entre as melodias mais bonitas do Brasil, as suas sejam as mais ricas e divinas. Quem compôs belezas assim só pode estar num lugar maravilhoso agora, inundado de arte e plenitude. Obrigada.
Consuelo de Paula
Quando tenho arrepios de alma por conta de emocionantes letras ou melodias, agradeço a Deus, à vida, à musa música por me permitir tais presentes nesta passagem chamada vida. E como isso me é comum na ‘Canção Brasileira’ em geral.
Sueli Costa, nos presenteou, em parceria com Abel Silva, com uma dessas maravilhas de arrepios em lindeza: Canção Brasileira! Agora, ela se torna uma estrela no céu, a brilhar com os anjos. Muito obrigado, Sueli Costa por teres iluminado nossas vidas, nossos ouvidos, nossas almas.
Tavinho Limma, que gravou Canção Brasileira ao lado de Paulinho Pedra Azul, com arranjos e piano de Salomão Soar em O Mundo de Raimundo, da Kuarup;
“O meu coração ateu quase acreditou
Na sua mão que não passou de um leve adeus
Breve pássaro pousado em minha mão
Bateu asas e voou … “
Ah, Sueli Costa. Sem dúvida uma das maiores! Compositora gigante! Referência total!
Lembro-me de quando gravei meu primeiro CD: tal como uma contracapa de livro, foi ela a assinar o encarte do meu disco. Palavras para lá de carinhosas, que foram de grande importância pra mim.
Obrigada, Sueli, vai em paz
Cristina Saraiva
Sueli Costa: uma das maiores compositoras da música brasileira. Muitas canções em tantas diversas interpretações. Essa nossa gente precisa conhecer mais e entender de Brasil, de sua arte, cultura e poesia.
A bênção @suelicosta1213!
Aplausos em pé para sua eternidade e tudo que nos deu em vida.
Lenir Boldrin
Minha querida Sueli Costa, me perdoe por não poder estar com você nos últimos anos. Um pouco antes da pandemia marcamos um encontro, que infelizmente não aconteceu. Trocamos algumas palavras por mensagem sempre na esperança de nos encontrar. Agora, essa triste notícia.
Durante muitos anos Sueli acalentava um sonho, gravar as composições feitas dos poemas de o Romanceiro da Inconfidência de Cecília Meireles, sonho que infelizmente não se concretizou devido às questões entre os herdeiros da poeta.
Gravei os demos no meu estúdio com ela cantando ao piano, um registro emocionado e inesquecível. Tive a sorte e o privilégio de produzir o CD Sueli Costa – Minha Arte, de 1999, com o apoio do querido Mario Rosito. Fomos parceiros de noitadas em torno de uma mesa, regadas a música e poesia, seguimos afastados por um tempo, porém nunca esquecemos um do outro. Não vou dizer que Sueli Costa estará cantando lá no céu porque o lugar dela é aqui. Como grande criadora da música popular brasileira jamais será esquecida.
Suelen, era assim que eu e [Maria] Bethânia a tratávamos, fica a saudade eterna, amada amiga.
Jaime Além
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Disco com capa de Elifas Andreato traz entre as faixas duas composições inéditas mescladas a composições consagradas do homenageado. E terá concerto para lançamento no Theatro Municipal do Rio de Janeiro
Em 12 de novembro Paulinho da Viola, consagrado personagem de nossa história musical, completará 80 anos de idade e para marcar a data a produtora e gravadora Kuarup já disponibilizou (exclusivamente nas plataformas digitais)Ouvindo Paulinho da Viola, disco com 12 choros que traz temas consagrados como Choro Negro e Sarau Para Radamés, apresenta obras com parceiros e duas inéditas, o choro Chuva Grossa Molha Mesmo e a valsaCarinhosa, compostas com Mário Sève, autor do álbum. Flautista, saxofonista e integrante do seleto grupo de Paulinho da Viola, Sève é também coautor do choro Vou-me Embora Pra Roça, lançado no álbum Sempre se Pode Sonhar, do compositor e sambista. O lançamento do álbum Ouvindo Paulinho da Viola terá direito a um concerto de Sève, programado para duas rodadas no Theatro Municipal do Rio de Janeiro (sala Mário Tavares) em 16 de novembro, às 17 e às 19 horas.
Segundo disco do grupo, tema de mais uma edição da série Clássico do Mês,
tem nome ‘sugerido’ pela então pequenina Bebel Gilberto, segue a cartilha da transgressão dos músicos e é um grito de protesto em plenos “anos de chumbo” contra a caretice e a tristeza da música que imperavam no pais
O Barulho d’água Músicaretoma a série Clássico do Mês dedicando esta atualização ao álbum Acabou Chorare, que o grupo Novos Baianos lançou em 1972. O conjunto de dez faixas deste disco, uma das quais instrumental, produzido com a bênção de João Gilberto em um ambiente de completa descontração dentro de um sítio situado em Jacarepaguá, na cidade do Rio de Janeiro, sustentam simplesmente o primeiro lugar na lista dos 100 melhores já gravados no país desde 2007, de acordo com avaliações dos críticos da Rolling Stone Brasil. Acabou Chorare saiu pelo selo Som Livre, dois anos depois do relativo sucesso doÉ Ferro na Boneca, carregando influência estrondosa do dândi da Bossa Nova, que expandiu todos os horizontes criativos do grupo.
Elogio do Amor traz parcerias com Chico Cesar e o poeta inglês Shakespeare entre outros. As letras do projeto falam do amor em suas mais variadas vertentes, inclusive sobre a falta de amor e a indiferença
A produtora e gravadora Kuarup disponibilizou neste domingo, 24/1O, Elogio do Amor, quinto álbum do cantor e compositor Nino Karvan. O disco traz parcerias com o músico Chico César, o poeta e dramaturgo inglês Willian Shakespeare, os poetas Jeová Santana e Gilton Lobo além do cantor e compositor Marcos Vilane. Concebido e produzido durante a pandemia, o novo trabalho autoral de Nino Karvan traz 12 canções, algumas delas mais antigas do seu repertório, outras bem novas, a exemplo da faixa A Gente, deles e em dueto com Chico Cesar. A letra fala sobre uma das lições desses momentos difíceis de que é preciso “descer do salto” e perceber que a falta de empatia, a prepotência e a arrogância impedem o desenvolvimento humano e que, calar-se diante disso, é contribuir com a barbárie.
Chão de Pedras, lançado pela Kuarup e pelo selo Samba em Movimento, celebra a obra e os 80 anos completados em fevereiro do músico e compositor tropicalista baiano
Está disponível desde a sexta-feira, 19, nas plataformas digitais, pelo selo Samba em Movimento,Chão de Pedras, que traz Jair Luz em dueto com Margareth Menezes. O single é mais um lançamento da Produtora e Gravadora Kuarup, agora em homenagem ao poeta tropicalista baiano de Esplanada Capinan, a partir de uma ideia do primo dele, o cardiologista e compositor Ary Alves. O médico ligou para Luz dizendo que tinha uma letra para Capinan. Luz a recebeu e se apaixonou pela ideia de cantá-la. “Corri para o violão e, em dez minutos, a música estava pronta”, contou Luz. “Mas a finalização só veio quatro meses depois, com a participação da Margareth, de forma bem espontânea”, emendou. “Eu mandei a canção e ela ficou encantada. Disse no ímpeto que queria cantar e que, pelo fato de ter sido escrita para o Capinan, nada melhor. Margareth Menezes me retornou minutos depois, cantando o refrão, muito melhor que eu e o Dr. Ary Alves”.
Cantor e violonista sergipanos resgatam clássicos do Rei do Baião em álbum com dez faixas lançado pela gravadora e produtora Kuarup
De Lua, Canções de Luiz Gonzagaéotítulo do projeto do cantor e compositor Nino Karvan e do violonista Alberto Silveira, artistas sergipanos com carreias consagradas, que fazem uma tocante homenagem ao Rei do Baião, O repertório escolhido reúne canções das décadas dos anos 1940/50/60, período de ouro do baião e de maior sucesso de Luiz Gonzaga. O disco é intimista, gravado e apresentado para salas de concerto: a voz e o violão dão destaque às melodias, tão presentes na memória afetiva do brasileiro e na rica poética das letras. O álbum é mais um belíssimo lançamento da gravadora e produtora Kuarup, que, gentilmente, enviou um exemplar à redação do Barulho d’água Música, pelo qual agradecemos ao diretor artístico Rodolfo Zanke e toda sua equipe.
Cantor e compositor começou a carreira que trocou pela Medicina ainda garoto, no sertão baiano, e depois de brilhar com os revolucionários Novos Baianos, optou pela carreira solo interrompida “na alvorada dos setenta” , enquanto dormia , por um infarto
(…) O sertão, essa vaga ficção geográfica que sempre foge à localização precisa. Pode-se entrar pelo sertão, que sempre haverá um sertão mais para o interior do país.””, Aires da Mata Machado Filho, O negro e o garimpo em Minas Gerais, página 33 (III, Sob o signo do diamante), Editora Itatiaia Limitada, 1985
“Sertão é o sozinho”.
“Sertão: é dentro da gente”. Grande Sertão: Veredas, João Guimarães Rosa, Livraria José Olympio, 1956
O último disco gravado pelo cantor e compositor Moraes Moreira, lançado em 2018, Ser Tão, foi o escolhido para abrirmos neste dia 18 de abril mais uma audição matutina dos sábados pela manhã, cumprindo a determinação de nos mantermos isolados durante a pandemia do coronavírus (Covid-19) aqui no boteco do Barulho d’água Música, em São Roque, cidade do Interior paulista a cerca de 60 quilômetros da cidade de São Paulo.
A morte de Moraes Moreira ocorrida na segunda-feira, 13, de infarto do miocárdio enquanto dormia em sua casa (assim como Belchior, em 2017, e Tunai, mais recentemente) na cidade do Rio de Janeiro, indiscutivelmente deixa mais uma vez de luto a cultura popular, abalando não apenas o universo musical brasileiro, mas como um todo nesta época de pandemônio federal o combalido meio artístico no qual ele despontou nos começo dos anos 1970 como um dos integrantes dos revolucionários Novos Baianos. A passagem ao Plano Maior, entretanto, não apagará a obra grandiosa que nos legou o baiano deItuaçu frequentemente associado a ritmos mais quentes como o frevo, o samba, as marchas de carnaval, o baião, o maracatu e mesmo o rock, mas que recentemente, no auge da maturidade, vinha buscando uma nova identidade que, na verdade, o levava de volta às próprias raízes, o fazia experimentar uma verdadeira “alvorada” aos 70 anos.
Ser Tão é um disco breve, de nove faixas apenas, e saiu pelo Selo Discobertas seis anos após o estrondoso sucesso entre a crítica e o público do álbum antecessor, A Revolta dos Ritmos — o que, talvez, não tenha rendido à empreitada os devidos elogios que Moraes esperava. Mais afeito à poesia e à lapidação da palavra nos últimos dias, Moraes Moreira à la Patativa de Assaré, Zé Limeira e Cego Aderaldo vinha flertando e produzindo várias peças em cordel (como o poema, agora épico, que escreveu sobre a Covid-19, que estará ao final desta atualização) e em Ser Tão já se evidenciava com mais força parte deste resgate, já que era paixão que trazia adormecida em seu peito desde a infância.
A revista Isto É, em um texto publicado em sua versão on-line à época do lançamento do álbum e com base em informações do jornal O Estado de São Paulo, lembrava que areaproximação de Moraes Moreira com a literatura de cordel e tudo que envolve esse universo já era notada em A Revolta dos Ritmos, remonta à infância do músico, vivida no interior na Bahia e servia de amálgama à transição que ele pretendia e já festejava, de cantor para cantador. “Vou fazer minha passagem/De cantor pra cantador/E durante essa viagem/O tempo que é passador/Vai me dar uma guarida/E muitos anos de vida/Na cantoria do amor”, são versos da faixa De Cantor Pra Cantador, na qual Moraes ora declama, ora canta, mostrando que uma habilidade não descarta a outra. “Hoje, ele é as duas coisas”, sentenciou a revista na matéria cuja integra poderá ser lida clicando aqui.
“Nesse disco, pude fazer essa ideia que tenho de juntar literatura de cordel, a influência dos cantadores, dos repentistas, essa coisa da cantoria”, disse Moraes, segundo a Isto É. “É uma cantoria, às vezes, falada, mas, na maioria das vezes, cantada, é claro”, emendou. “Essa relação já vem desde criança, e eu vivia muito isso, a coisa da sanfona, bem sertaneja mesmo, o violonista de serenata. Então, essa memória toda eu carrego.”
Ser Tãoé, portanto, completamente autoral, embora inclua uma parceria com Armandinho na faixa Nas Paradas. “”O Armandinho ficou ali meio representando os outros parceiros e eles entenderam isso, que era um momento muito meu, eu tinha que me concentrar nisso. É coisa de viola, de sanfona, quase não tem guitarra. Pedia menos guitarra e mais viola.”
Inevitavelmente, o disco acaba sendo biográfico, de uma maneira mais direta, como na já citada De Cantor Pra Cantador e em Alvorada dos Setenta, cujos versos são declamados pelo próprio músico, fechando o repertório. Ou mais indireta, quando ele se envereda por suas raízes e memórias, como em O Nordestino do Século, também declamada, e Origens, recitada e cantada. No blues I Am The Captain of My Soul, o refrão em inglês entoado na letra em português pode até causar estranheza nesse trabalho tão impregnado de Nordeste. Mas, para Moraes, o refrão fazia mais sentido assim, sem tradução. “Esse verso, ‘eu sou o capitão da minha alma’, eu li num livro. Fui pesquisar sobre isso, esse verso era de um poema, Invictus, de Ernest Henley, um inglês da época vitoriana. Um dia, me peguei cantando ‘I am the captain of my soul’. Depois, fiz a parte B da música, em português, e aí volta sempre o refrão, que tinha de ser em inglês”, disse. “São os sertões se encontrando: o sertão de lá e de cá.”
Ainda durante a conversa reproduzida por Isto É, Moraes Moreira observara que em seus tempos de Novos Baianos, nos quais o grupo criava, literalmente, a própria música, suas raízes nunca desapareceram. “Por exemplo, Preta Pretinha é uma coisa interiorana, é muito brejeira. Então, sempre teve ali um pouquinho.” O Selo Discobertas, ao lançar Ser Tão, produziu o seguinte press-release, que não apenas reforçou este perfil de Moraes Moreira, mas ampliou-o ao frisar que:
“Se a Música Popular Brasileira fosse uma cidade, Moraes Moreira seria aquele caminhante que passa por todos os bairros, cruza todas as ruas, vira em todas as esquinas… e por onde anda ele se sente em casa. Não importa se é num afoxé carnavalesco ou num arrasta-pé junino, numa batucada de samba ou numa balada urbana, sua música é como um líquido que toma a forma de todos esses vasos, sem perder o sabor. Ser Tão não chega a ser uma novidade na obra desse compositor tão litorâneo e ensolarado, tão urbano e beira-mar. aquífero acessível a quem se dispõe a ir um pouco mais fundo. Há um subterrâneo de sertão por baixo de toda a cidade-Brasil. Há uma memória de sertão juntando histórias, lendas, melodias, ritmos e personagens.
Musicalmente, Moraes sempre foi um aproximador de águas, um acolhedor de belezas. A lição tropicalista foi rapidamente assimilada por sua geração para quem o rock e o samba eram bairros vizinhos que tinham a aprender um com o outro. Canções como I am the Captain of My Soul e Nas Paradas têm um sabor geracional cuja novidade não se perdeu, cuja tinta ainda não secou. Baladas de estrada, com algo de blues e das road songs que acompanharam as histórias dos andarilhos num dos muitos sertões que o Brasil descobriu dos anos 1960 para cá .Este é Moraes Moreira, sertanejo acampado à beira-mar, capitão da própria alma, setentão sempre jovem a cruzar um sertão eterno”.
Estetoscópio de pinho
De acordo com a biografia de Antonio Carlos Moreira Pires publicada pela Enciclopédia Itaú Cultural (EIC). a carreira do compositor, cantor e violonista que adotou o nome artístico de Moraes Moreira começou quando ele ainda era adolescente, tocando sanfona de 12 baixos. Com pouco tempo de aprendizado, o piá já animava festas de São João, casamentos e batizados. Em 1963, fez o curso científico na cidade de Caculé, no interior da Bahia, onde conheceu diversos violonistas e se apaixonou pelo violão. Com 19 anos, mudou-se para Salvador com o intuito de fazer o curso de Medicina, mas optou por estudar música no Seminário de Música da Universidade Federal da Bahia. Na pensão em que morava, conheceu os futuros parceiros do grupo Novos Baianos: Paulinho Boca de Cantor e Luiz Galvão. que o apresentou ao cantor e compositor baiano Tom Zé, professor de violão no seminário e com o qual Moraes Moreira trocava informações sobre harmonia e composição.
Seus amigos de pensão começaram, então, a elaborar o espetáculo de estreia do grupo Novos Baianos,O Desembarque dos Bichos depois do Dilúvio Universal, em 1968. Contando também com a cantora Baby Consuelo (atual Baby do Brasil) e o guitarrista Pepeu Gomes na formação, o grupo deslocou-se até São Paulo para participar do 5ºFestival da Música Popular Brasileira, da TV Record (1969), defendendo a músicaDe Vera, de Moraes Moreira, com letra de Galvão. Em seguida, saiu o primeiro disco,Ferro na Boneca, antecedendo o clássico Acabou Chorare, que em 1972 venderia mais de 100 mil cópias. Ícone da discografia nacional com decisiva participação de João Gilberto, Acabou Chorare inclui no repertório, entre outras o sambaBrasil Pandeiro, de Assis Valente, além das composições próprias do grupo.
Moraes Moreira deixou os Novos Baianos e partiu para a carreira solo ainda em 1975, abraçado ao primeiro parceiro nessa caminhada, o guitarrista Armandinho. Já nesta fase, ele tocou com o trio elétrico de Dodô e Osmar (pai de Armandinho) em 1976, consagrando-se como o primeiro cantor de trio elétrico, embalando os seguidores com marchinhas comoPombo Correio, parceria dele com Dodô e Osmar. Rapidamente, Moraes Moreira ganhava fama e passava a ser apontado como um dos principais responsáveis pelo crescimento do carnaval de rua em Salvador.
Lá Vem o Brasil Descendo a Ladeira, outro dos seus sucessos, saiu em 1979, com canções em parceria com Pepeu Gomes, Jorge Mautner, Antonio Rizério, Abel Silva, Fausto Nilo, Armandinho e Oswaldinho do Acordeon.Santa Fé, parceria dele o poeta Fausto Nilo, é escolhida para ser o tema de abertura da novelaRoque Santeiro, de Dias Gomes, mas a trama, censurada pelo governo militar em 1975, acabaria engaveta até 1985, quando enfim foi exibida pela Rede Globo.
Um novo encontro com os Novos Baianos ocorreu em 1997, para o lançamento do disco ao vivoInfinito Circular, com canções dos discos anteriores e algumas inéditas. Dez anos mais tarde, Moraes Moreira enveredou pelo mercado editorial ao publicar oA História dos Novos Baianos e Outros Versose nesta publicação já adotou a linguagem de cordel, dando pistas da transição que viria adiante.
Análise da EIC
O diálogo entre gêneros musicais éa marca da trajetória artística de Moraes Moreira. Ao começar a carreira, seu estilo tende para o rock, mas nutre também paixão pelo samba e pelo choro, e aponta nomes como Braguinha, Lamartine Babo, Zé Kéti e Jacob do Bandolim como seus maiores inspiradores. Sua obra dialoga com as produções de Roberto Carlos, Jimi Hendrix, e com a estética do tropicalismo, proposto por Gilberto Gil, Caetano Veloso, Tom Zé e outros artistas. Tais referências estão presentes emFerro na Boneca, primeiro disco do seu grupo Os Novos Baianos, que, nos anos 1960, vive numa espécie de comunidade alternativa.
A presença de João Gilberto na comunidadedosNovos Baianos contribui para acentuar o caráter musical multifacetado do grupo, fundindo sonoridades do samba, frevo e baião com o rock. Moraes Moreira aprende a maneira original de João Gilberto tocar violão e com ele se aproxima do repertório de compositores como Assis Valente. Logo cria, com Pepeu Gomes, um regional com cavaquinho e violão para o maior sucesso do autor,Brasil Pandeiro, gravado pelosNovos Baianos no álbumAcabou Chorare(1972). A canção, feita em 1940, exalta a entrada do samba no mercado musical dos Estados Unidos, alavancada principalmente por Carmen Miranda, intérprete de grande parte das músicas de Assis Valente.
As composições com Luiz Galvão vão de canções de simples harmonias, como o maior sucesso do Novos Baianos,Preta Pretinha(Acabou Chorare), de dois acordes apenas, até as de complexas estruturas, caso deOs Pingos da Chuva(Novos Baianos F.C., 1973). As influências da Bossa Nova, Jovem Guarda, tropicalismo e da música internacional resultam na sonoridade particular do grupo.
Integrando o trio elétrico de Dodôe Osmar, expande suas referências ao ser apresentado a compositores como Capiba, Nelson Ferreira, Duda, Antônio Maria (1921 – 1964) e outros nomes do frevo pernambucano.Moraes Moreira compõe a letra para uma música original de Dodô e Osmar que se torna outro grande sucesso, Pombo Correio, típica marchinha dos trios que animam o Carnaval de Salvador. Introduz a voz nos trios elétricos, que até então é só instrumental, até por uma questão técnica. Seu pioneirismo faz escola e fomenta o surgimento de uma geração de cantores de trio.
Lança seu quarto disco solo,Lá Vem o Brasil Descendo a Ladeira, em 1979. Além da faixa-título, que se torna hit nacional, o álbum traz canções que marcam o carnaval baiano, comoEu Sou o Carnaval,Chão da PraçaeAssim Pintou Moçambique. Esta, em parceria com Antonio Rizério, é um marco na história da música baiana, pela mistura do frevo dos trios elétricos com o batuque dos blocos afro, prenunciando as fusões que animam o Carnaval e abrindo um novo caminho na música da Bahia, que culmina na chamada geração axé music.
No CDO Brasil Tem Conserto, de 1994, em parceria com o maestro e arranjador Vitor Santos, realiza um trabalho que mescla música popular com a erudita. Nesse álbum, reforça a harmonia e a melodia, mantendo as características rítmicas de suas composições. O baião e o samba são misturados no CDBahião com H,de 2000, que aproveita na época o oportuno interesse das novas gerações pela música regional brasileira. Em 2005, o álbum De Repentefunde o hip-hop com o repente nordestino, trazendo elementos da música eletrônica e do rap, ou da “palavra falada”, como Moraes classifica.
Leia abaixo o poema em cordel deixado por Moraes Moreira sobre a Covid-19, conforme consta na página do Diário Causa Operária (DCO) sobre a morte do cantor e compositor, veículo que relatou ainda que, recentemente, Moreira e Baby Consuelo teriam protagonizado um desentendimento que demonstra a personalidade forte, a autenticidade e o respeito às próprias convicções e à história que ele tinha.
Em novembro de 2019 estreou o espetáculo Novos Baianos, no qual treze atores contavam a história da banda, com direção musical de Pedro Baby (filho de Baby Consuelo) e Davi Moraes (filho de Moraes). Esse musical, conforme o DCO, teria causado uma desavença de Moraes com Baby Consuelo, hoje em dia a evangélica Baby do Brasil. Baby queria que o espetáculo ignorasse o uso de drogas pelo grupo. Moraes afirmou que “Baby queria que o espetáculo fosse evangélico. Que não dissesse que fumou maconha, que tomou ácido, que fez tudo. Assim os Novos Baianos não seriam revolucionários. João Gilberto deve estar se revirando na sepultura. Porque o nosso grupo fumou, sim, tomou ácido, sim, fez músicas maravilhosas em estado de fumar maconha, sim. A gente fazia música inclusive pra ela. As canções dela que fizeram sucesso como A Menina Dança, Tinindo, Trincando, Os Pingos da Chuva e tantas outras, foram feitas na onda, porque naquele tempo a onda era essa”.
O DCO também observou que Moraes esteve ativo até o final da vida. No carnaval deste ano cantou no Pelourinho, mesmo já aparentando estar debilitado. Desde março ele estava recolhido à sua casa por causa do coronavírus, mas ainda compondo e escrevendo. Uma de suas últimas obras foi o cordel que fala da Covid-19, mas também lembra de Marielle Franco:
Eu temo o coronavirus E zelo por minha vida Mas tenho medo de tiros Também de bala perdida, A nossa fé é vacina O professor que me ensina Será minha própria lida
Assombra-me a pandemia
Que agora domina o mundo
Mas tenho uma garantia
Não sou nenhum vagabundo,
Porque todo cidadão
Merece mais atenção
O sentimento é profundo
Eu não queria essa praga
Que não é mais do Egito
Não quero que ela traga
O mal que sempre eu evito,
Os males não são eternos
Pois os recursos modernos
Estão aí, acredito
De quem será esse lucro
Ou mesmo a teoria?
Detesto falar de estupro
Eu gosto é de poesia,
Mas creio na consciência
E digo não a todo dia
Eu tenho medo do excesso
Que seja em qualquer sentido
Mas também do retrocesso
Que por aí escondido,
Às vezes é o que notamos
Passar o que já passamos
Jamais será esquecido
Até aceito a polícia
Mas quando muda de letra
E se transforma em milícia
Odeio essa mutreta,
Pra combater o que alarma
Só tenho mesmo uma arma
Que é a minha caneta
Com tanta coisa inda cismo….
Estão na ordem do dia
Eu digo não ao machismo
Também a misoginia,
Tem outros que eu não aceito
É o tal do preconceito
E as sombras da hipocrisia
As coisas já forem postas
Mas prevalecem os relés
Queremos sim ter respostas
Sobre as nossas Marielles,
Em meio a um mundo efêmero
Não é só questão de gênero
Nem de homens ou mulheres
O que vale é o ser humano
E sua dignidade
Vivemos num mundo insano
Queremos mais liberdade,
Pra que tudo isso mude
Certeza, ninguém se ilude
Não tem tempo, nem idade
O Barulho d’água Música apresenta aos amigos e seguidores Lu Pasinato, nascido em Parapuã (SP). Por influências de um berço no qual a música sempre teve vez, desde muito cedo Lu Pasinato se sentiu despertado pela música e à medida que cresceu descobriu suas aptidões naturais para instrumentos de cordas, Em 1989, como ocorre com muitos que acabam conhecendo a viola caipira, rendeu-se à sonoridade singular das dez cordas e ela passou a ser seu instrumento de trabalho, juntamente com a guitarra.
Roberto Prado escreveu recentemente para o programa especial Grandes talentos da música brasileira do Paraná, apresentado por Rogéria Holtz na Rádio Educativa do Paraná (FM 97,1), que o compositor e instrumentista Luciano Pasinato, o Lu Pasinato, nasceu em 1975. Descendente de italianos e espanhóis, filho de Domingos Pasinato e Antônia Errerias Pasinato, Lu teve o privilégio de ser o mais novo entre cinco irmãos de uma família extremamente musical, na qual a arte fazia parte do dia a dia. Os pais de Lu, conforme apontou Prado, sustentaram a família por muito tempo como barbeiro e costureira, mas logo depois do nascimento dele, decidiram se tornar comerciantes.
A nova atividade dos pais os levou a mudarem várias vezes para cidades de São Paulo e do Paraná, uma vivência que possibilitou ao caçula conhecer muitas pessoas, culturas, paisagens diferentes, formando um vasto arquivo de memórias que até hoje inspiram sua criação. No final dos anos 1980, os Pasinato se fixaram na cidade de Rancharia, na região da Alta Sorocabana, onde Lu passou a infância e a juventude. Nessa cidade do Interior de São Paulo, ele teve um encontro fundamental com a viola caipira, que se tornaria sua grande paixão.
O irmão mais velho de Luciano, Ruba Pasinato, músico profissional, sempre foi a inspiração dele e sua guia no mundo da música brasileira de qualidade. Outra forte referência foi o tio do violeiro, José Errerias. Zequinha do Acordeon, como ficou popularmente conhecido, tocou e gravou com diversos artistas da música sertaneja de raiz na década dos anos 1950 e 1960, pois além da qualidade técnica e criativa, era exímio leitor de partituras. Entre outras funções, Zequinha atuou como acordeonista oficial da dupla Tonico & Tinoco, participando, inclusive, de filmes dos famosos irmãos, ícones até hoje do universo caipira.
Nesta atmosfera musical, desde sempre Lu soube que seria músico profissional, mas com a diferença que, em sua casa, ao contrário da grande maioria, um filho ser músico era visto com ótimos olhos. Assim. desde piá — na escola, nas festas e com os amigos –, os violões sempre acabavam nas mãos de Lu Pasinato. Até que em agosto de 1989, quando tinha 14 anos de idade, Lu viveu uma experiência definitiva: em uma exposição folclórica, realizada no colégio no qual estudava, em Rancharia, travou seu primeiro contato com a viola; deste dia, até hoje, ele nunca mais se separou do instrumento.
Viola caipira Lu Pasinato aprendeu a tocar ouvindo e vendo os grandes violeiros da sua terra, tais quais Espirro, Zé Vilela, Flávio da Amoreira e tantos outros, além de beber nas fontes de mestres como Tião Carreiro, Renato Andrade, Almir Sater, Goiano e Mazinho Quevedo. A partir deste aprendizado, foi adquirindo identidade sonora, experimentando, criando, agregando o toque de viola original que desenvolvia ouvindo outros ritmos em sua casa.
Lu Pasinato começou a carreira profissional ainda aos 15 anos, tocando guitarra em bandas de bailes de Rancharia e região, enquanto, ao mesmo tempo, desenvolvia sua técnica pessoal de encantar com a viola caipira. Em 1996, veio para Curitiba a convite do baterista Wagner Venceslau, o Waguinho Batera, hoje radicado em Maringá (PR), para tocar guitarra em uma casa noturna. Mas o que Lu Pasinato queria, mesmo, como ele próprio recorda, era mostrar sua violinha na grande Capital, abrir espaço para o seu modo diferente de tocar e compor com o instrumento.
A vinda para Curitiba, portanto, significou uma importante guinada na formação e na carreira de Lu Pasinato. Foi naquela cidade que pode trocar ideias e aprimorar a técnica e a criatividade em contato com grandes instrumentistas. Na Capital do estado gravou também seus dois álbuns autorais, Mudernage e Aldeia, e vem atuando intensamente como instrumentista em gravações e em concertos no Brasil e no Exterior, acompanhando artistas como João Pedro Teixeira, Hermeto Pascoal e Cacao de Queiroz, para ficar apenas em alguns exemplos. Além disso, ministra frequentes workshops e oficinas de viola caipira nas quais divide com os alunos a técnica, a história e a paixão pelo instrumento.
Lu Pasinato também tem atuado como violeiro e guitarrista em teatros, casas de shows, bares, estúdios de gravação e como side-man, além de participar ativamente de gravações de discos, DVDs e jingles. Em sua trajetória já acompanhou, gravou e/ou dividiu palcos com João Pedro Teixeira, Hermeto Pascoal e Cacao de Queiróz, Almir Sater, Ivan Lins, Toquinho, Ney Matogrosso, Kleyton e Kledyr, Moraes Moreira, Johnny Alf, entre outros.
Por este precioso currículo, é dos mais requisitados e aplaudidos na cena curitibana e cidades próximas, onde em seus workshops de viola caipira aborda as inúmeras e inusitadas possibilidades sonoras deste instrumento que no estado tem, ainda, representantes tais como Fernando Deghi (embora também paulista, lá radicado), Cláudio Avanso, Emiliano Pereira, João Triska, Oswaldo Rios, o pai e filho Rogério e Victor Gulin, Ricardo Denchuski e Lydio Roberto. Pasinato é endorser das Palhetas Cerne, para a qual assina a palheta Gota 3mm Lu Pasinato, e também do luthier Marcos Jackel, de Curitiba.
A discografia solo é composta pelos dois álbuns anteriormente mencionados, ambos dedicados à viola instrumental. O primeiro, Mudernage (2008), apresenta composições próprias, e o segundo, Aldeia (2014), resgata a viola caipira e seus ritmos tradicionais como o Pagode, a Catira, o Chamamé, a Folia de Reis em composições autorais, mantendo sua identidade tanto nas composições, quanto na execução do instrumento.
Atualmente, Lu Pasinato vem se apresentando em diversas formações de música instrumental, com música brasileira, música regional e jazz. Em 2018, viajou para Paris e na capital francesa gravou Encontro Universal, de João Pedro Teixeira e Cacao de Queiróz. Há alguns dias, em 11 de outubro, foi atração no Centro Cultural Teatro Guaíra da Exposição Ars Sonora que abordou a obra de Hermeto Pascoal, durante a 14ª Bienal de Arte Contemporânea de Curitiba.
Para saber mais sobre e contratar Lu Pasinato ele disponibilizou o número de telefone (41) 99716-9460 e o endereço eletrônico lu_pasinato@yahoo.com.br. Pelos linques abaixo se poderá ouvir seus dois álbuns e baixar e assistir vídeos de suas apresentações e trabalhos. Os dois álbuns podem ser encomendados tanto com o próprio violeiro, quanto com a gravadora e distribuidora curitibana Gramofone, cujo endereço é Rua Curupis, 450, bairro Santa Quitéria, Curitiba, CEP 80310. Para mais informações, os telefones da Gramofone são +55 41 98516-5131 e +55 41 3228-1044 e o endereço eletrônico gramofone@gramofone.com.br
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De Lua, Canções de Luiz Gonzaga
Roberto Prado escreveu recentemente para o programa especial 
Barulho d'Água Música (O que o Faustão não divulga está aqui. E sem jabaculê!) 